La composition présente une exploration vivante des émotions humaines, axée sur les puissants sentiments de jalousie et de tension entre les figures. Au premier plan, un homme avec une expression tourmentée capte l'attention du spectateur. Ses traits anguleux et son regard intense suggèrent un tumulte intérieur complexe, évoquant une sensation de vulnérabilité et de détresse. À sa gauche, une femme se tient avec confiance, sa posture suggérant à la fois défi et vulnérabilité. La palette terne est vivante de tourbillons de couleurs : des jaunes doux et des bleus s’entrelacent avec de vives teintes rouges sur ses joues, transmettant une intensité émotionnelle presque palpable. En revanche, la figure à droite semble plus réservée, son expression plus contemplative, contrastant avec l'énergie dynamique des autres figures et amplifiant la tension émotionnelle dans la scène, invitant le spectateur à explorer les couches de complexité psychologique présentes dans les relations interpersonnelles.

L'utilisation de la couleur renforce significativement la résonance émotionnelle de l'œuvre. Les teintes chaudes enveloppent les figures, créant un sentiment d'intimité tout en suggérant un certain inconfort. Les coups de pinceau sont lâches et expressifs, caractéristiques du style de Munch, contribuant au sentiment général de malaise ; il semble que les couleurs soient vivantes, pulsant avec l'émotion brute dépeinte. Historiquement, cette œuvre émerge d'une époque de bouleversements personnels et sociaux pour Munch, reflétant sa lutte continue avec des thèmes tels que l'amour, la jalousie et l'isolement. Chaque coup de pinceau semble être une confession, révélant le paysage intérieur de l'artiste. L'importance de cette œuvre réside non seulement dans son exploration de la jalousie, mais aussi dans sa manière de capturer l'essence de la vulnérabilité humaine, en faisant une réflexion intemporelle sur la complexité des émotions.