Francisco Goya

Francisco José de Goya y Lucientes (30 mars 1746 - 16 avril 1828) est une figure monumentale de l'histoire de l'art, souvent considéré comme le dernier des Vieux Maîtres et le premier des modernes. Né à Fuendetodos, en Espagne, le parcours artistique de Goya a commencé à Saragosse sous la direction de José Luzán y Martínez. Il s'installa ensuite à Madrid pour étudier avec Anton Raphael Mengs, un éminent peintre de cour, bien que leur relation ait été, dit-on, tendue. En 1773, Goya épousa Josefa Bayeu, sœur du peintre de cour Francisco Bayeu, une relation qui s'avérera bénéfique pour sa carrière précoce. Ses années de formation ont été marquées par l'exposition à diverses traditions artistiques, notamment le baroque italien grâce à ses études à Rome en 1771, et l'influence durable de maîtres espagnols comme Diego Velázquez, dont il a méticuleusement copié les œuvres en gravures. Cette période a jeté les bases d'une carrière qui allait radicalement remodeler l'art espagnol.

L'ascension de Goya dans le monde de l'art s'accéléra en 1775 lorsqu'il commença à concevoir des cartons de tapisserie pour la Manufacture Royale de Tapisseries de Santa Bárbara. Ces premières œuvres, au nombre de plus de soixante, représentaient des scènes de la vie aristocratique et populaire contemporaine dans un style rococo, souvent empreint d'un réalisme subtil. Bien que la conception de tapisseries ne soit pas l'activité la plus prestigieuse, elle attira l'attention de la cour d'Espagne sur Goya. Sa réputation de portraitiste grandit et il reçut des commandes de l'élite espagnole. En 1786, il fut nommé peintre du roi Charles III, et en 1789, peintre de cour de Charles IV, atteignant finalement le rang estimé de Premier Peintre de la Cour en 1799. Ses portraits royaux, tels que l'emblématique « La Famille de Charles IV » (1800-01), sont remarquables par leur perspicacité psychologique sans concession, souvent perçue comme subtilement critique à l'égard de leurs sujets. Durant cette période, il peignit également les audacieuses « La Maja nue » et « La Maja vêtue » (vers 1800-05), probablement pour Manuel Godoy, démontrant sa polyvalence et sa volonté de défier les conventions.

Un tournant profond dans la vie et l'art de Goya survint en 1792-1793 lorsqu'une grave maladie non diagnostiquée le laissa définitivement sourd. Cette crise personnelle entraîna un changement radical dans son œuvre, qui devint de plus en plus introspective, sombre et pessimiste. Tout en continuant ses fonctions officielles, Goya commença à explorer les thèmes de la folie humaine, de la corruption et de la souffrance avec une intensité sans précédent. Cette période vit la création de « Los Caprichos » (publié en 1799), une série de 80 gravures qui utilisaient la satire et l'imagerie grotesque pour critiquer la société espagnole, l'église et la superstition, célèbrement résumée par la planche « Le Sommeil de la Raison engendre des Monstres ». Ses peintures de cabinet sur fer-blanc, telles que « La Cour des Fous » (1794), peintes pendant sa convalescence, révélèrent davantage son imagination tourmentée et ses observations critiques sur la condition humaine, sujets souvent absents de ses œuvres de commande.

L'invasion napoléonienne de l'Espagne en 1808 et la guerre d'indépendance espagnole qui s'ensuivit (1808-1814) affectèrent profondément Goya et influencèrent profondément son art. Bien qu'il ait conservé son poste de peintre de cour sous Joseph Bonaparte, frère de Napoléon, Goya documenta les horreurs du conflit avec une honnêteté déchirante. Sa série de gravures, « Les Désastres de la Guerre » (créée entre 1810 et 1820, publiée en 1863), est l'une des déclarations anti-guerre les plus puissantes de l'histoire de l'art, dépeignant des scènes de violence brutale, de famine et de dégradation humaine sans romantisme. Pour commémorer le soulèvement espagnol contre les Français, il peignit deux chefs-d'œuvre monumentaux en 1814 : « Le Deux Mai 1808 » et « Le Trois Mai 1808 », qui transmettent la réalité brutale et l'impact émotionnel de la guerre avec une immédiateté crue. Après la restauration de Ferdinand VII, Goya fut réintégré mais ses relations avec le régime répressif se tendirent.

Désabusé par le climat politique et social en Espagne sous le règne réactionnaire de Ferdinand VII, Goya se retira de plus en plus. Entre 1819 et 1823, il décora les murs de sa maison de campagne, la Quinta del Sordo (Maison du Sourd), d'une série de quatorze peintures murales connues sous le nom de « Peintures noires ». Ces œuvres énigmatiques et troublantes, dont « Saturne dévorant un de ses fils », furent peintes directement sur plâtre et n'étaient probablement jamais destinées à être exposées publiquement. Exécutées dans une palette sombre avec des coups de pinceau expressifs, presque violents, elles explorent les thèmes de la folie, du désespoir, de la sorcellerie et des aspects les plus sombres de l'humanité, reflétant le profond pessimisme de Goya. En 1824, invoquant des raisons de santé mais probablement aussi en raison de l'atmosphère politique oppressive, Goya s'exila volontairement à Bordeaux, en France, accompagné de Leocadia Weiss et de sa fille Rosario. Il continua à travailler de manière prolifique à Bordeaux, explorant la lithographie et produisant des portraits remarquables jusqu'à sa mort le 16 avril 1828.

L'héritage de Francisco Goya est immense et multiforme. Il a magistralement fait le pont entre les traditions des Vieux Maîtres et l'esprit naissant du modernisme, créant une œuvre à la fois intemporelle et profondément ancrée dans son contexte historique. Son réalisme sans concession, sa profondeur psychologique, ses techniques de gravure novatrices et ses commentaires sociaux et politiques intrépides ont profondément influencé les générations suivantes d'artistes, des peintres romantiques comme Delacroix aux réalistes, des impressionnistes comme Manet, et des géants du XXe siècle tels que Picasso et les surréalistes. L'exploration par Goya de la psyché humaine, sa critique du pouvoir et sa représentation des horreurs de la guerre continuent de résonner auprès du public contemporain, cimentant son statut d'artiste révolutionnaire dont l'œuvre reste puissamment pertinente.