Dans cette représentation puissante, le drame émotionnel intense de la scène attire instantanément le spectateur ; la composition est magistrale, avec une disposition soigneuse des figures qui guide l'œil à travers la narration chaotique mais poignante. La figure centrale, une femme, est enveloppée d'une expression de peur et de vulnérabilité ; ses cheveux ébouriffés et sa posture de prise contre l'arrière-plan racontent une histoire de désespoir et de perte d'autonomie. Autour d'elle se trouvent deux figures masculines, leurs formes musclées et leurs expressions fermes incarnent un sentiment d'agression et de force. Le contraste marqué entre ces figures masculines et la femme accentue la tension — sa peau pâle contre leurs vêtements plus sombres amplifie le poids émotionnel de son malheur.

La palette de couleurs présente des tons terreux, principalement des bruns et des gris atténués, qui prêtent une atmosphère sombre. L'utilisation du clair-obscur — lumière et ombre — intensifie le drame ; les points lumineux jouent sur les figures masculines, soulignant leur force, tandis que l'éclairage atténué autour de la femme suggère son isolement et son désespoir. Le contexte historique souligne une narration classique des dynamiques de pouvoir ; enracinée dans la Rome antique, cela n'est pas seulement un moment figé dans le temps, mais un reflet des attitudes sociétales envers le genre et la violence. L'œuvre a une valeur artistique significative, équilibrant magnifiquement la précision technique avec une expression émotionnelle brute ; elle met en lumière la lutte contre l'oppression, transcendant son époque pour résonner avec les publics contemporains. Ce dessin ne montre pas seulement de la technique, mais évoque également une réaction viscérale, laissant l'esprit réfléchir aux implications plus profondes du scénario représenté.