Questa toccante opera d'arte racchiude l'essenza della compassione attraverso la vivida rappresentazione del Buon Samaritano, una figura che incarna la gentilezza disinteressata. In primo piano si trova il samaritano, un uomo robusto ma tenero, mentre abbraccia dolcemente un viandante ferito. I dettagli delle figure sono eseguiti magistralmente; il volto segnato dall'empatia del samaritano contrasta meravigliosamente con la pallore della pelle dell'uomo ferito, evocando una palpabile sensazione di urgenza e cura. Dietro di loro, un'asina sta pazientemente, silenziosa testimone di questo atto di misericordia, mentre un viandante lontano osserva da una collina, esprimendo forse incertezza o indifferenza.

La composizione è ricca di narrazione: il posizionamento delle figure guida lo sguardo dello spettatore lungo la dolce pendenza del paesaggio, conducendoci attraverso il viaggio fisico ed emotivo che affrontano. Millais impiega una palette di colori terrosi e tenui, dominata da marroni e verdi che evocano un senso di realismo senza sopraffare lo spettatore. Questa scelta dei colori, abbinata all'intricato lavoro di linee, aumenta la tessitura emotiva della scena. Mentre assorbo i dettagli, un'aria di solennità mi avvolge; rimango a contemplare le profonde implicazioni della gentilezza di fronte alla sofferenza. Il contesto storico non può essere trascurato. Creata nella metà del XIX secolo, quest'opera riflette gli ideali vittoriani di moralità e responsabilità sociale, fondendosi meravigliosamente con il posto di Millais nel movimento preraffaellita, che ha sostenuto il realismo intrecciato con una narrazione emotiva.