Dans cette œuvre puissante, le thème de la résurrection se déploie avec une intense charge émotionnelle. Les figures, tissées dans des coups de pinceau vibrants, émergent d'un fond qui semble presque vivant. La figure proéminente à gauche, drapée d'une teinte pâle, suggère la vulnérabilité — la figure sans vie de Lazare étant transfigurée dans le royaume de la vie. Les deux figures à droite, en particulier la femme dans la robe verte frappante, expriment un mélange d'urgence et de joie, leurs gestes accentués par les coups de pinceau tourbillonnants de Van Gogh qui créent du mouvement et du drame. On peut presque entendre le souffle de surprise qui accompagne un événement aussi miraculeux ; cette montée émotionnelle imprègne l'essence même de la peinture.

La palette de couleurs est intrigante, dominée par des jaunes et des verts doux qui émettent de la chaleur, mais juxtaposés aux teintes plus froides de l'arrière-plan. Le soleil représenté dans le ciel n'est pas seulement un corps céleste ; il symbolise l'espoir et de nouveaux commencements, lavant les figures et illuminant la scène. La composition équilibre l'immobilité de la mort et la résurgence dynamique de la vie. Historiquement, cette peinture peut être contextualisée dans les œuvres tardives de Van Gogh, où il luttait avec des thèmes de foi et de rédemption — des aspects clés qui résonnent avec le récit biblique. L'interprétation de Van Gogh, imprégnée de son style expressionniste unique, élève ce moment au-delà de la simple représentation, attirant les spectateurs vers le cœur émotionnel de la transformation et de la croyance.