L'opera dispiega una scena che racchiude in modo incisivo l'interazione tra vita e morte, mostrando un paziente disteso su un tavolo operatorio, illuminato da una palette inquietante ma affascinante. La tecnica di Edvard Munch conferisce alle figure una fluidità che trasmette movimento, emozioni e il caos spesso trascurato della chirurgia. La figura centrale, un uomo vulnerabile, è rappresentata in toni pallidi; la sua carne, quasi spettrale, evoca una sensazione di fragilità e di imminente partenza dalla vita. In contrasto, pennellate vibranti di rosso si raggruppano attorno a lui, servendo da promemoria viscerale sia della fisicità dell'esistenza umana che delle dure realtà dell'intervento chirurgico.

Intorno a questo momento toccante ci sono figure che sembrano quasi paradossalmente calme, vestite di bianco, i cui volti sono segnati dall'ambiguità dell'emozione. Sono testimoni di una sofferenza che non riescono a sopportare, o custodi di un delicato processo? Lo sfondo è appena suggerito; accenni a ritratti che osservano da lontano, enfatizzando un senso di voyeurismo e giudizio. Questa frenetica mescolanza di colori e forme invita lo spettatore a vivere il peso emotivo del momento, evocando nel contempo un'atmosfera inquietante che parla delle preoccupazioni esistenziali dell'artista e della sua fascinazione per la mortalità. Nei primi anni del '900, quando Munch si confrontava con temi di ansia e disperazione, quest'opera si distingue come una potente esplorazione della vulnerabilità umana di fronte a un destino inevitabile.