Das Kunstwerk entfaltet eine Szene, die eindringlich das Zusammenspiel zwischen Leben und Tod einfängt, und zeigt einen Patienten, der auf einem Operationstisch liegt, erleuchtet von einer unbequemen, aber faszinierenden Farbpalette. Edvard Munchs Technik verleiht den Figuren eine Fluidität, die Bewegung, Emotionen und das oft übersehene Chaos der Chirurgie vermittelt. Die zentrale Figur, ein verletzlicher Mann, wird in blassen Tönen dargestellt; sein Fleisch, fast gespenstisch, weckt ein Gefühl von Zerbrechlichkeit und dem bevorstehenden Verlassen des Lebens. Im Kontrast dazu versammeln sich lebhafte rote Pinselstriche um ihn und erinnern sowohl an die physische Existenz des Menschen als auch an die harten Realitäten chirurgischer Eingriffe.

Um diesen bewegenden Moment herum stehen Figuren, die fast paradox ruhig wirken, in Weiß gekleidet, deren Gesichter von emotionaler Mehrdeutigkeit geprägt sind. Sind sie Zeugen eines Leidens, das sie nicht ertragen können, oder Wächter eines zarten Prozesses? Der Hintergrund ist nur angedeutet – Andeutungen von Portraits, die aus der Ferne zuschauen, und ein Gefühl von Voyeurismus und Urteil verstärken. Diese heftige Mischung von Farben und Formen lädt den Betrachter ein, das emotionale Gewicht des Moments zu erleben, während sie gleichzeitig eine beunruhigende Atmosphäre hervorrufen, die von den existenziellen Bedenken des Künstlers und seiner Faszination für die Sterblichkeit spricht. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts, als Munch mit Themen von Angst und Verzweiflung kämpfte, sticht dieses Werk als kraftvolle Erforschung der menschlichen Verwundbarkeit im Angesicht des unvermeidlichen Schicksals hervor.