Cette scène saisissante se déroule dans une grande salle richement décorée, dominée par un large escalier blanc qui descend vers le spectateur. Au bas des marches, une figure inanimée vêtue de blanc symbolise une chute tragique du pouvoir ou de la grâce. Autour de lui, une foule dense d’observateurs vêtus de somptueux habits de la Renaissance amplifie la tension palpable du moment ; leurs visages mêlent choc, solennité et curiosité. Au cœur du drame, un homme en robes dorées brandit une épée, imposant une aura de justice irrévocable. Le jeu de lumière baigne les vêtements dorés, offrant un contraste marqué avec les arrière-plans sombres ornés de fresques et d’iconographie religieuse, renforçant la gravité émotionnelle. La maîtrise du pinceau d’Eugène Delacroix saisit chaque détail minutieux — des lourds drapés aux armures scintillantes — pour créer une composition dynamique, vibrante de tension et de poids historique.

La palette de couleurs oscille entre des teintes profondes et ombragées et des éclats lumineux d’or et de blanc, évoquant la dualité émotionnelle entre peur et autorité, vie et mort. Le décor complexe suggère la grandeur vénitienne, reliant la scène à un événement historique mêlant luttes de pouvoir et trahison. Les fresques élaborées en arrière-plan instaurent une atmosphère sacrée qui contraste vivement avec la punition brutale et séculière infligée en bas. Ce contraste approfondit la complexité émotionnelle du tableau, invitant le spectateur à ressentir la tragédie non seulement comme un récit historique, mais comme une méditation intemporelle sur la vengeance et la chute. L’effet global est dramatique et profondément immersif — les coups de pinceau romantiques de Delacroix insufflent vie et urgence à cet instant tragique figé dans le temps.