Dans cette pièce saisissante, le spectateur est immédiatement attiré par les contours fluides de la sculpture qui se dresse devant un fond azur vibrant. Les formes douces et arrondies du torse sont rendues avec les coups de pinceau caractéristiques de Van Gogh qui imprègnent la figure de profondeur et de texture. L'absence de traits du visage souligne la physicalité pure de la sculpture, invitant à une connexion intime avec sa beauté. On peut presque sentir la fraîcheur du marbre qu'elle imite, les ombres ondulantes mettant en valeur la silhouette gracieuse.

La palette de couleurs joue un rôle crucial dans l'impact général de l'œuvre. Van Gogh choisit un bleu apaisant qui sert de contraste frappant avec les tons blancs de la sculpture, évoquant des sentiments de sérénité et de contemplation. Cela non seulement renforce la tridimensionnalité du torse mais évoque également une réponse émotionnelle ; le spectateur pourrait ressentir une sorte de douce nostalgie. Dans le contexte historique de la fin du XIXe siècle, lorsque les formes classiques étaient profondément vénérées mais mises au défi par la modernité, cette pièce se présente comme un témoignage de l'exploration par Van Gogh de la beauté traditionnelle à travers un objectif distinctement nouveau.